每一位学琴者，都要使你的练习，逐渐“过渡”到演奏状态。

所谓演奏状态，便是以一种公开表演、展示的状态，所进行的对作品的演奏。

即使学琴者并不在舞台上，周围可能也并没有听众，但这种状态，每一位学琴者都可以找到。

也只有将自己的练习，“过渡”到演奏状态之后，所呈现出来的作品效果，才不会单调、僵硬、“机械”。

那么，演奏状态都有哪些特征呢？宛与洛通过自己的实际感受，以及拜读一些演奏家的著作之后，总结如下：

一、“开放性”

初学一首作品时，或增加一首作品的熟练度时，这时候的演奏，往往都是自己一个人进行的。

没有观众，也无需特殊的场合。

所以说，还处于练习状态时，演奏一般都是具有“封闭性”的。

而如果能够将所学作品，达到演奏状态后，则具有了“开放性”。

即使没有站到舞台上，周围也没有观众，但学琴者此时早已将作品，演奏得“滚瓜烂熟”，头脑中也根本不会再出现具体的乐谱内容。

那此时头脑中都会产生哪些想法呢？宛与洛根据自己的感受，认为一般会出现以下两种：

①作品所展现的“画面感”

②想象自己在公开场合演奏、表演的情形

尤其是第二种。当我们能够把一首作品练得很熟时，自然就有了想要表现、表演的欲望。

所以，即使是自己头脑中的“假舞台”，也一样会带有“开放性”的特征。

二、“不确定性”

上过舞台的学琴者都知道，公开场合的演奏，具有着更大程度的“不确定性”。

即使没有上舞台，只在头脑中产生了演奏状态后，这种“不确定性”也会加剧。

演奏状态除了使我们感到兴奋，也使我们感到了紧张与压力。

因为在练习状态时，我们只需将乐谱内容演奏正确，然后不断重复、增加熟练度即可。

一旦有了演奏状态后，考虑的方面忽然变多了。

既要从整体上，“监听”作品的完整度与流畅性；也在细节方面，注意每一乐句的处理情况。

还可能会考虑到，如果有观众的话，他们会怎样看我，怎样评判我的演奏与状态等……

这些，都会给我们的演奏带来压力。也正是因为这些压力，使得自己的演奏状态出现“瑕疵”，甚至是中断演奏。

所以，还是要调整好心态，不要考虑那么多的内容，多去感受舞台、享受演奏。

三、“自由度”

用我自己的话来解释就是：

每一遍的演奏，或多或少都有一些不一样的地方。

不一样的原因，有可能是因为个别乐句的即兴发挥，也可以是自己对作品，又有了新的理解。

演奏状态还真的需要一定的“自由度”，不然就成了简单的“机械重复”了。

自如、自然，但不可造作。

四、“现场感”

在第一点感受“开放性”中，我就提到了，学琴者一旦达到了演奏状态，要么头脑中产生“画面感”，要么就是在想象，自己在舞台上的场景与状态。

这就会有一种身临其境的“现场感”。

这可以使我们，更“敬畏”自己所演奏的作品。对练琴这件事，态度自然越来越端正。

那么什么时候，你的练习才可以呈现出来演奏状态呢？

宛与洛认为，当你把一首作品，练到基本熟练，基本上可以背谱演奏的程度时，自然也就从练习状态，“过渡”到演奏状态了。